Improvisation, abgeleitet vom lateinischen Wort „improvisus“ („ungeplant“), ist keineswegs ein Mangel an Planung. Es handelt sich um einen grundlegenden kreativen Akt, der Handeln, Gestalten und Denken ohne vorherige detaillierte Planung oder feste Vorgaben umfasst. Sie kann jedoch auch auf einem Plan oder einer Vorgabe basieren, die dann teilweise oder sogar vollständig außer Acht gelassen werden, um kreativ zu sein.
Im Wesentlichen geht es darum, spontan auf eine bestimmte Situation oder eine impulsive Idee zu reagieren, indem vorhandenes Wissen, Fähigkeiten und Erfahrungen flexibel und oft intuitiv neu kombiniert und angewendet werden. Diese Fähigkeit, sich spontan anzupassen und kreativ zu sein, ist in unserer globalen und dynamischen Welt zu einer Schlüsselkompetenz geworden.
Das Wesen der Improvisation liegt in mehreren charakteristischen Merkmalen, die sie von der reinen Reproduktion oder strikten Ausführung eines Plans unterscheiden:
Spontaneität
Die improvisierte Handlung oder Aussage entsteht im Hier und Jetzt, unmittelbar und ohne (ausreichende) Vorbereitung. Dies erfordert ein hohes Maß an Präsenz und die Bereitschaft, sich dem Moment hinzugeben.
Flexibilität
Improvisation erfordert die Fähigkeit, sich schnell an veränderte Umstände anzupassen und alternative Lösungen zu finden, wenn der ursprüngliche Ansatz nicht mehr funktioniert oder neue Informationen verfügbar werden.
Kreativität
Im Improvisationsprozess entstehen spontan neue Ideen oder Formen. Es ist die Kunst, aus bereits Vorhandenem etwas Neues und Einzigartiges zu schaffen.
Anpassungsfähigkeit
Vorhandene Ressourcen – seien es Kenntnisse, Fähigkeiten oder Materialien – werden im Kontext der aktuellen Situation genutzt und oft transformiert, um ein Ziel zu erreichen oder eine Herausforderung zu bewältigen.
Toleranz gegenüber Unsicherheit
Improvisation beinhaltet immer ein Element der Unvorhersehbarkeit. Der Umgang mit dieser Ungewissheit und die Akzeptanz potenzieller „Fehler“ als Teil des Lern- und Schaffensprozesses sind von entscheidender Bedeutung.
Prozessorientierung
Der Fokus liegt weniger auf einem vordefinierten Endprodukt als vielmehr auf dem dynamischen kreativen Prozess selbst. Das Ergebnis ist oft eine Momentaufnahme, die aus der Interaktion und dem Fluss entsteht.
Obwohl der Begriff oft mit künstlerischen Bereichen in Verbindung gebracht wird, ist Improvisation ein allgegenwärtiges Phänomen, das in zahlreichen Disziplinen und Lebensbereichen von entscheidender Bedeutung ist:
Kunst und Musik
In der Kunst, insbesondere in der Musik (z. B. Jazz, freie Improvisation), im Theater (Improvisationstheater, Improvisationskomödie) und im Tanz, ist Improvisation eine eigenständige Kunstform. Musiker entwickeln spontan Melodien und Harmonien, Schauspieler kreieren Dialoge und Charaktere vor Ort, und Tänzer schaffen Bewegungen im Einklang mit der Musik oder dem Raum. Hier dient Improvisation nicht nur der Unterhaltung, sondern auch der Selbstfindung, der Entdeckung neuer Ausdrucksformen und der Interaktion mit dem Publikum oder anderen Künstlern.
Wissenschaft und Technologie
Improvisation spielt auch in Wissenschaft und Technik eine wichtige Rolle. In Forschung und Entwicklung treten oft unerwartete Probleme auf, die schnelle Ad-hoc-Lösungen erfordern. Ingenieure entwickeln provisorische Ansätze, um eine Maschine am Laufen zu halten, oder passen Testaufbauten spontan an, um unerwartete Daten zu untersuchen. Hier ist die Fähigkeit zur Improvisation entscheidend, um flexibel auf neue Erkenntnisse zu reagieren und einen Stillstand des Fortschritts zu verhindern.
Alltag und Management
Improvisation ist eine unverzichtbare Fähigkeit im Alltag, insbesondere im Management. Ob es darum geht, auf unvorhergesehene Ereignisse im Privatleben zu reagieren, pragmatische Lösungen für plötzliche Herausforderungen bei der Arbeit zu finden oder geplante Prozesse spontan anzupassen – die Fähigkeit zur Improvisation ermöglicht es Ihnen, handlungsfähig zu bleiben und effizient zu agieren. Manager, die improvisieren können, sind oft widerstandsfähiger und erfolgreicher im Umgang mit Krisen und schnellen Marktveränderungen.
Mahalia Jacksons Karriere verdeutlicht das Spannungsfeld zwischen ihren religiösen Überzeugungen und ihren sozioökonomischen Bestrebungen. Während sie lukrative Angebote für Auftritte in Unterhaltungslokalen ablehnte, war sie gleichzeitig bereit, populäre religiöse Lieder in ihr Repertoire aufzunehmen, um ein breiteres Publikum zu erreichen. Theologisch rechtfertigte sie dies damit, dass Lieder über Liebe und Einheit, wie beispielsweise „Danny Boy“, ebenso wichtig seien, da man Gott nicht lieben könne, ohne die Menschen zu lieben. Trotz ihres Ruhmes war sie weiterhin rassistischer Diskriminierung ausgesetzt, was sich darin zeigte, dass sie bestimmte Restaurants nicht betreten durfte. So unterstützte sie beispielsweise den Stadtrat William L. Dawson und Franklin Roosevelt, indem sie Liedtexte änderte, um für ihre Kandidatur zu werben. Sie war ungewöhnlich offen für Auftritte bei progressiven politischen Veranstaltungen, darunter auch solche, die von der linken Volksliedorganisation People's Artists organisiert wurden.
In den frühen 1950er Jahren wurde Religion aggressiv gefördert, unter anderem durch „religiösen Pop“, als Mittel zur antikommunistischen nationalen Einheit und als Reaktion auf die Ängste des Kalten Krieges (z. B. McCarthyismus, die „Bombe“ und der Koreakrieg). Die Musikindustrie vermarktete religiöse Popsongs wie „Let's Go to Church Next Sunday Morning“ als Mittel zur Förderung religiöser Werte angesichts der „aktuellen Weltlage“, die eine „Rückkehr zur Religion“ erforderte. Kirchenführer schlugen sogar vor, Mahalia Jackson auf eine „Friedensmission des Gesangs“ hinter den Eisernen Vorhang zu schicken, da sie glaubten, dass ihre Wirkung alle Worte übertreffen würde.
Improvisation wird bewusst als Methode in der Bildung eingesetzt. Improvisationsspiele, Rollenspiele und kreative Übungen fördern nicht nur die Kreativität und Problemlösungsfähigkeiten der Lernenden, sondern trainieren auch soziale Kompetenzen wie Empathie und Kommunikation. Sie lernen, sich auf Unvorhergesehenes einzustellen und spontan als Teil eines Teams zu handeln.
Es ist wichtig zu betonen, dass Improvisation keineswegs gleichbedeutend ist mit Willkür oder mangelnder Planung. Ganz im Gegenteil: Sie erfordert in der Regel ein hohes Maß an Kompetenz, Erfahrung und intuitivem Verständnis des Kontextes. Die scheinbar mühelose, spontane Reaktion basiert auf einem tiefen Reservoir an verinnerlichtem Wissen und Fähigkeiten. Wer improvisiert, greift auf das Gelernte zurück, kombiniert es jedoch auf neue und oft überraschende Weise.
In einer Welt, die sich immer schneller verändert und in der Komplexität und Unsicherheit zunehmen, wird die Fähigkeit zur Improvisation zu einer unverzichtbaren Kompetenz. Sie ermöglicht es uns, flexibel zu bleiben, kreative Lösungen zu finden und auch in unvorhersehbaren Situationen selbstbewusst zu handeln. Improvisation ist daher keine Notlösung, sondern eine hochentwickelte Form der Anpassung und Gestaltung, die es uns ermöglicht, in einem sich ständig verändernden Umfeld erfolgreich zu sein.
Die improvisatorische Ästhetik der Gospelmusik schöpft aus einem reichen Fundus kultureller und religiöser Traditionen:
Westafrikanische Traditionen
Das Gospel als Performance-Ästhetik ist ein direktes Produkt westafrikanischer rhythmischer, emotionaler und improvisatorischer Vorläufer. Der „vom Geist geleitete“ Gesang, der in den frühen Gottesdiensten in der Azusa Street praktiziert wurde, hatte seine Wurzeln in diesen Traditionen. Er förderte die Beteiligung aller Kirchenmitglieder, unabhängig von ihrem musikalischen Hintergrund, und legte den Grundstein für den kollektiven musikalischen Ausdruck.
Sanctified Churches
Für die Mitglieder der Church of God in Christ (COGIC) war Musik per Definition improvisiert und konnte sich jederzeit manifestieren, inspiriert durch die Gegenwart des Heiligen Geistes. Die Gottesdienste hier waren lebhaft, informell und emotional und spiegelten den Gemeinschaftsgeist der südlichen Gottesdienste, die Spontaneität von Azusa und westafrikanische religiöse Traditionen wider.
Frühe Aufnahmen
Pioniere wie Arizona Dranes, die als erste Gospel-Pianistin gilt, spiegelten in ihren frühen Aufnahmen die improvisierte Lebendigkeit der sakralen Gottesdienste wider. Sie verwendete antiphonalen Gesang (Call and Response) und weltliche Stile wie Barrelhouse-Piano und legte damit den Grundstein für die Gospelmusik.
Entwicklung in Chicago
In den frühen 1930er Jahren versuchten baptistische Einrichtungen in Chicago, junge Erwachsene durch attraktivere Musikgottesdienste für die Kirche zu gewinnen. Thomas A. Dorsey, der vor seiner vollständigen Hinwendung zur Gospelmusik als Blues-Pianist tätig war, spielte dabei eine entscheidende Rolle und wurde zu einem einflussreichen Impulsgeber dieser musikalischen Erneuerung, indem er Blues-Elemente in den Gospel einführte.
Die Stimme als Instrument des Glaubens
Gospelsänger nutzen eine Vielzahl von Gesangstechniken, um zu improvisieren und tiefe Emotionen auszudrücken:
Melodische Verzierungen
Künstler wie Mahalia Jackson verlangsamten oft das Tempo alter Spirituals, um Silben zu dehnen und mit ihnen zu spielen. Sie verwendeten Triller und Melismen (eine Silbe, die in mehreren Tonhöhen gesungen wird), um Melodien im Rubato-Stil zu schaffen. Auch das Summen war ein Element, das Mahalia gerne einsetzte. Sie summte sogar ganze Strophen. Ein bekanntes Beispiel ist „Come Sunday” auf der Aufnahme „Black, Brown & Beige” mit Duke Ellington.
Rhythmische Freiheit
Mahalias Gesang zeichnete sich durch einen unverwechselbaren „Bounce“ aus, der rhythmisch energiegeladen war. Sie selbst führte diesen „Swing“ größtenteils auf ihren musikalischen Hintergrund zurück. Einige Beobachter hörten in ihrem Gesang sogar einen perkussiven Stil, der ihr unbewusstes Bestreben widerspiegelte, die „perkussiven Ticks“ der Trommelschläge nachzuahmen, aber ich halte das für etwas weit hergeholt. Ich glaube, sie hörte und fühlte diese Rhythmen instinktiv in sich und reagierte dann mit ihrem Gesang darauf.
Stimm-Effekte
Der Gospelsang nutzt das gesamte Spektrum der menschlichen Stimmbildung – von rohen Bluesklängen über halb schreiende, halb rezitierende Töne bis hin zu echten Schreien und Rufen. Aber auch warme, zarte und weiche Töne gehörten insbesondere zum Repertoire von Mahalia Jackson. Es ist eine Kunstform, die Melismen, Glissandi, Vibrati und Blue Notes virtuos einsetzt.
Call-and-Response
Der „Gospel-Rocker“ ist ein metrischer und rhythmischer Aspekt, der im Dialog zwischen einem Solisten und einer Begleitgruppe verwurzelt ist, wobei sich Lead- und Backgroundsänger mit ihren Phrasen abwechseln. Aber auch Solisten nutzen diese Form, indem sie das „Frage-Antwort“-Muster variieren. Dies kann beispielsweise durch dynamische Abstufungen erreicht werden, wobei die Frage laut und die Antwort leise ist, oder durch eine Veränderung der Stimmlage.
Flexibilität der Formulierung
Hattie Parker zeigte einen großzügigen Einsatz von Glissandi und Verzierungen sowie kurze, kantige Phrasierungen, die die „Freiheit einer baptistischen Hymnensängerin“ demonstrierten. Mahalia Jackson teilte Wörter in beliebig viele Silben auf und wiederholte oder verlängerte die Enden von Phrasen, um die Wirkung zu verstärken.
Mahalia Jacksons Gesang war der Inbegriff improvisatorischer Meisterschaft und eine zutiefst persönliche und spirituelle Ausdrucksform, die untrennbar mit ihren Wurzeln in New Orleans und den Erfahrungen der afroamerikanischen Gemeinschaft verbunden war.
Melodische Verzierungen und Phrasierung
Mahalia Jackson war dafür bekannt, Melodien in Balladen, Spirituals und Hymnen im Rubato-Stil zu verzieren. Sie dehnte Silben und spielte mit ihnen, verwendete Triller und Seufzer, summte oft ganze Strophen und setzte ausgedehnte Melismen (mehrere Tonhöhen auf einer einzigen Silbe) ein. Ihr Gesang zeugte von „melodischer Gewandtheit” und ihre flexible Phrasierung ermöglichte den ausdrucksstarken Einsatz von Vokalläufen. Sie konnte Wörter in beliebig viele Silben zerlegen oder das Ende von Phrasen wiederholen und verlängern, um die Wirkung zu verstärken. Diese Art der Verzierung war Teil der europäischen Gesangstradition, was Mahalias Spontaneität unterstreicht.
Rhythmische Freiheit und „Bounce“
Mahalia Jacksons Gesang zeichnete sich durch einen unverwechselbaren „Bounce“ aus, der rhythmisch energiegeladen war. Sie beschleunigte den Takt und legte Freude in ihre Stimme. Während einige Quellen behaupten, dass sie das Tempo eines Songs nie beschleunigte, zeigen andere, dass ihr Tempo erheblich variieren und im Laufe eines Songs beschleunigen konnte. Ihre Improvisationsfähigkeiten zeigten sich auch in ihrer Fähigkeit, den Takt nach Belieben zu verschieben.
Stimmliche Effekte und Ausdruck
Ihr Gesang nutzte die gesamte Bandbreite der menschlichen Stimme: von rauen Blues-Growls über halb schreiende, halb rezitierende Mitteltöne bis hin zu Schreien, Rufen, harten Tönen, breiten Vibratos und hohen, schrillen Tönen. Sie setzte Halbtöne, Verzierungen, Glissandi und Blue Notes ein. Ihre Aussprache reichte von präzise bis hin zur fast vollständigen Auflösung der Wortbedeutung im Klang, manchmal akademisch, manchmal in einem breiten südlichen Dialekt. Ihre Fähigkeit, mit voller Stimme zu singen („belting“), war ein Markenzeichen ihrer Apollo-Aufnahmen und demonstrierte ihr beeindruckendes Potenzial.
Call-and-Response
Die „Gospel-Wippe“ war ein wichtiger rhythmischer Aspekt, der auf dem Dialog zwischen einem Solisten und einer Begleitgruppe basierte. Mahalia nutzte diese Struktur, um Phrasen zwischen sich und den Begleitern abzuwechseln.
Flexibilität der Phrasen
Hattie Parker zeigte einen großzügigen Einsatz von Glissandi und Verzierungen sowie kurze, kantige Phrasierungen, die die „Freiheit einer baptistischen Hymnensängerin“ demonstrierten. Mahalia Jackson teilte Wörter in beliebig viele Silben auf und wiederholte oder verlängerte die Enden von Phrasen, um die Wirkung zu verstärken.
Mahalia Jacksons einzigartiger Improvisationsstil wurde von verschiedenen Quellen beeinflusst:
Wurzeln in New Orleans
Mahalias Improvisationsstil wurde stark von der Musik ihrer Heimatstadt New Orleans beeinflusst, insbesondere von Jazzorchestern, Blaskapellen und dem „singenden Tonfall“ baptistischer Prediger (Rufe, Seufzer, Gesänge). Sie nahm die Klänge des Fourteenth Ward in sich auf, die ihren Stil prägten.
Sanctified Churches
Die Sanctified Church oder Holiness Church hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf ihr Leben und ihre Kunst. Der improvisierte Musikstil dieser Kirchen mit ihren lebhaften und informellen Gottesdiensten förderte die spontane Beteiligung aller Gemeindemitglieder. Ihr „heiliger Tanz” und ihre körperliche Darbietung, die sich durch freudige Freiheit und innere Überzeugung auszeichneten, stammten direkt aus der Sanctified Church und der „Second Line” von New Orleans.
Einflüsse von Blues und Jazz
Obwohl Mahalia sich weigerte, Blues oder Jazz zu singen, weil sie diese Musikrichtungen als „Lieder der Verzweiflung” betrachtete, die im Gegensatz zur „Hoffnung” des Gospels standen, spiegelte ihr Gesang dennoch den Einfluss dieser Genres wider. Ihr früher Gesangsstil zeichnete sich durch die emotionale Kraft und Improvisation des Blues aus. Kritiker verglichen ihren Stil oft mit dem von Blues-Sängerinnen wie Bessie Smith, deren Stimme sich auf ähnliche Weise wölbte und gleiten ließ. Sie integrierte Elemente des Dixieland-Jazz in ihre Interpretationen und verwendete jazzige Effekte in ihren Darbietungen.
Informelles Lernen
Mahalia hatte keine formale musikalische Ausbildung. Sie lernte durch Zuhören, insbesondere von anderen Sängern auf Schallplatten wie Roland Hayes, Grace Moore und Lawrence Tibbett, von denen sie Aussprache und Atemtechnik lernte. Sie beschrieb ihr Singen als etwas, das ihr „ganz natürlich“ fiel.
Auch Instrumentalisten tragen wesentlich zum improvisatorischen Charakter der Gospelmusik bei.
Spontaneität
Während der Aufnahmen wurden die Musiker oft angewiesen, spontan zu spielen, indem sie nur die Akkordwechsel erhielten, aber keine detaillierten Noten.
Einflüsse aus Jazz und Blues
Arizona Dranes Klavierstil kodifizierte und popularisierte den Gospel-Klavierstil, indem er Elemente des Boogie und Ragtime einfließen ließ. Die Trompeter von D.C. Rice spielten kühn und energiegeladen und waren mit den Grundlagen des Jazz-Solospiels vertraut. Thomas A. Dorsey integrierte Blues-Akkorde wie erniedrigte Terzen, Quinten und Septimen in seine Kompositionen und prägte damit den Gospel-Sound maßgeblich.
Die Rolle des Klaviers und der Orgel
Das Klavier und die Hammondorgel wurden zu Standardinstrumenten im Gottesdienst. Das Gospelklavier entwickelte sich von einer rein begleitenden Rolle zu einer Solorolle innerhalb seiner Akkordstrukturen. Pianisten improvisieren mit polyakkordischen Konstruktionen und polyrhythmischen Elementen. Die Noten für Gospelmusik werden oft bewusst einfach gehalten, um dem Interpreten viel Spielraum für umfangreiche Improvisationen zu lassen.
Gospelmusik und ihre Improvisation haben enge Verbindungen zu weltlichen Genres:
Blues and Jazz
Thomas A. Dorsey führte die Gospelmusik als eine Mischung aus Blues und Jazz ein. Mahalia Jackson behauptete sogar, dass der Bebop direkt aus dem Gospel hervorgegangen sei. Sie sah Jazz und Gospel als zwei Ausdrucksformen, die aus einer gemeinsamen rhythmischen und harmonischen Grundlage entstanden waren.
Pop and R&B
Afroamerikanische Popkünstler wie Little Richard, Etta James, James Brown und Jackie Wilson integrierten Gospeltechniken in ihren Gesang und ihre Auftritte. Die musikalische Mischung aus Gospel, R&B und Soul, die sich auf das Thema der Beziehung des Menschen zu Gott durch Beziehungen zu Mitmenschen konzentriert, wurde als Gospel-Pop bekannt.
Nicht jeder sah die Vermischung von Gospel mit weltlichen Stilen und umfangreichen Improvisationen positiv:
Widerstand
Edward Boatner, Chorleiter der Pilgrim Baptist Church, empfand es als „erniedrigend“, Jazzrhythmen in der Kirche zu hören. 1939 verurteilte Reverend George W. Harvey das „Swinging of Spirituals“ als „profanen Frevel“. Die National Baptist Convention forderte „bessere Kenntnisse der Kirchenmusik“ und warnte vor „übermäßig theatralischen“ Darbietungen, die charismatische Kunstfertigkeit über fromme Integrität stellten.
Dorseys Kritik
Thomas A. Dorsey kritisierte Gospelsänger, die alte Lieder überarbeiteten und die Urheberschaft für sich beanspruchten – ein Problem, das durch Sister Rosetta Tharpes Adaption seines Songs „Hide Me in Thy Bosom” zum swingenden „Rock Me” ausgelöst wurde.
Anpassung
Mahalia Jackson musste ihre Darbietungen an den Geschmack und den Gottesdienststil der verschiedenen Gemeinden anpassen, was bedeutete, dass sie ihren ekstatischen Gesang für methodistische Gemeinden etwas zurücknehmen musste. Auf ihren Europatourneen sang sie auch eher im Stil einer klassischen Konzertsängerin, ohne dabei ihre Wurzeln zu verleugnen. Im Gegenteil, sie schuf ein neues Genre, das nur sie selbst ausüben konnte.
Spontaneität vs. Formalität
„Bis der Geist kommt“
Als Mahalia Jackson davon sprach, „bis der Geist kommt“ zu singen, meinte sie damit einen Moment spiritueller Präsenz. Es war ein Zustand, in dem sie sich nicht mehr als darstellende Künstlerin sah, sondern als Vermittlerin einer göttlichen Botschaft. In diesem Moment war es nicht mehr ihr Gesang, sondern der Geist, der durch sie wirkte. Dieser Zustand ist vergleichbar mit dem, was als „Flow“ oder „es passiert“ beschrieben wird. Man handelt nicht bewusst, sondern lässt es einfach geschehen. Das Denken tritt in den Hintergrund, und die Musik scheint von selbst zu fließen, angetrieben von einer höheren Macht. Für Mahalia war dieser Moment ein Geschenk, unvorhersehbar und unkontrollierbar. Deshalb variierten ihre Auftritte so stark in ihrer Länge. Sie lieferte keine vordefinierte Show, sondern wartete, bis dieser besondere Moment kam. Erst dann entfaltete sich die volle Kraft ihres Auftritts und manifestierte sich in ausgedehnten, emotionsgeladenen Versionen ihrer Lieder.
“Soli Deo Gloria” – „Die Ehre gebührt allein Gott“
Johann Sebastian Bach versah alle seine Werke mit der Inschrift „Soli Deo Gloria” (SDG). Bach war auch als begnadeter Improvisator bekannt. Dies zeigt, dass tiefe Demut und das Verständnis, das eigene Talent in den Dienst Gottes zu stellen, nicht nur in der Gospelmusik, sondern auch in der klassischen Musik eine zentrale Rolle spielten. Sowohl Bach als auch Mahalia Jackson betrachteten ihr außergewöhnliches Talent nicht als ihre eigene Leistung, sondern als ein Geschenk Gottes. Sie waren beide Vermittler, die ihre Musik nicht zu ihrem eigenen Ruhm, sondern zur Verherrlichung Gottes einsetzten.
Ihre Musik war daher keine „Unterhaltung“ für sie selbst, sondern eine direkte Kommunikation mit dem Göttlichen. Es war ein Akt des Glaubens, der ihre Zuhörer in eine andere Welt entführen und sie auf spiritueller Ebene berühren sollte. Die Anerkennung und Wertschätzung, die Sie dieser Haltung entgegenbringen, zeigt, wie tiefgreifend und universell die Botschaft dieser beiden außergewöhnlichen Künstler ist.
Anpassung an neue Medien
Es fiel ihr sehr schwer, ihre Darbietungen für Aufnahmen anzupassen oder deren Länge (oft auf die Sekunde genau) zu begrenzen, da dies ihrer Interpretation von Musik widersprach. Als sie bei Columbia Records unter Vertrag genommen wurde und im Fernsehen auftrat, wurde ihre Freiheit zu improvisieren eingeschränkt. Die Produzenten verlangten, dass die Songs in zwei oder drei Minuten beendet sein mussten und dass das Orchester seine Begleitung straffen sollte. Dies veranlasste sie, zwei Aufführungsstile zu entwickeln: einen für Aufnahmen und einen für Live-Auftritte. Sie war unzufrieden mit den Songs, die Columbia für sie ausgewählt hatte, in die sie sich nicht „hineinversetzen“ konnte.
Kritik und Akzeptanz
Während einige konservative Kirchenkreise ihre „Rockbeats“ und „Schlangenhüften“ kritisierten, wurde ihr Stil von anderen als Ausdruck volkstümlicher, südstaatlicher Gesangskunst gefeiert. Ihre improvisatorische Freiheit und ihr spontaner Stil wurden von Kritikern oft als „unverfälschtes Genie“ und „große Künstlerin“ gelobt, die eher ein „Erlebnis“ als bloße Konzerte schuf. Selbst Skeptiker in Europa waren beeindruckt von ihrer „perfekten musikalischen Schönheit“ und der „überzeugenden Kraft ihres Glaubens“, obwohl sie selbst keine Christen waren.
Zwei Improvisationsgenies
Dank seiner Erfahrung als Bluesmusiker verfügte Thomas Dorsey über umfangreiche Improvisationsfähigkeiten und ermutigte Mahalia, ihre Fähigkeiten während ihrer Auftritte weiterzuentwickeln, indem er ihr Texte gab und Akkorde spielte, während sie Melodien erfand. Manchmal sang sie auf diese Weise 20 oder mehr Lieder. Sie war sehr gut darin, eine Verbindung zum Publikum herzustellen und Emotionen auszudrücken. Ihr Ziel war es, eine Kirche „zu zerstören“ oder einen Zustand spiritueller Aufruhr unter den Zuhörern zu verursachen, was ihr auch immer gelang.
Während einer Veranstaltung sprang Dorsey in einem Moment der Ekstase vom Klavier auf und verkündete:
Mahalia Jackson ist die Königin der Gospelsängerinnen! Sie ist die Königin! Die Königin!!"
Im 21. Jahrhundert entwickeln sich die Improvisationspraktiken im Gospel weiter und zeigen neue Facetten:
Musikalisches Wagnis
Zeitgenössische Gospel-Pianisten gehen größere musikalische Risiken ein und überschreiten stilistische Grenzen. Dies ist für die Entwicklung unerlässlich. Gospel-Pianisten können nahtlos zwischen verschiedenen Genres wie Blues, Jazz, Klassik, Soul, Funk, lateinamerikanischen Rhythmen und R&B wechseln. Diese Hybridität hat es der Gospelmusik ermöglicht, über die traditionellen afroamerikanischen Märkte hinaus in den Mainstream vorzudringen.
Virtuosität und technische Brillanz
Das Niveau der Fähigkeiten, der technischen Fertigkeiten und der Musikalität unter Gospel-Pianisten hat sich im 21. Jahrhundert dramatisch verbessert. Improvisation bleibt ein wesentliches Merkmal dieses Stils. Gospel-Pianisten werden nach wie vor in erster Linie durch informelles, auditives und erfahrungsbasiertes Lernen in der Kirche und durch das Hören anderer Gospelkünstler und verschiedener Genres ausgebildet. Mittlerweile gibt es auch viele hochqualifizierte klassische Musiker, die sich der Gospelmusik verschrieben haben. Dies führt zweifellos zu einer ständigen Weiterentwicklung und Veränderung der Ausdrucksform.
Kritisch betrachtet – gehört
Meiner Meinung nach sind viele Arrangements heutzutage in allen Bereichen überladen. Während früher ein Klavier und eine Orgel ausreichten, um einen Sänger zu begleiten, werden heute oft ganze Bands, kleine Orchester und große Chöre eingesetzt. Darüber hinaus sind die meisten Arrangements harmonisch und rhythmisch überladen. Komplizierte (wenn auch geniale) harmonische Strukturen verdecken die einfachen Wurzeln vieler Lieder. Unzählige Pianisten begleiten Sänger nicht, sondern spielen „ihr Solo” zum Gesang. Jedes Musikgenre, einschließlich der Gospelmusik, hat sich weiterentwickelt und wird sich auch in Zukunft weiter verändern. Das ist gut so. Es wäre wünschenswert, einen Trend zur Reduktion und eine Rückkehr zum Geist der Ursprünge zu sehen.
Aber ja, es gibt es bereits! Ich habe gerade eine Aufnahme entdeckt, die dieser Beschreibung entspricht: minimalistisch, gekonnt, individuell, bewegend, fesselnd, traditionell und doch zukunftsweisend:
Es ist das Album “Sarah Brown Sings Mahalia Jackson“.
Dokumentation
Heute ist das Aufschreiben von Musik ein wichtiger Schritt zum Schutz und zur Formalisierung von Gospelmusik, da es deren Weitergabe und Bewahrung unterstützt. Auch Audioaufnahmen sind heute sehr einfach zu erstellen, was früher mit viel mehr Aufwand und Kosten verbunden war.
Improvisation bleibt ein dynamisches und unverzichtbares Element der Gospelmusik, das ihre Entwicklung vorantreibt und sie zu einer lebendigen, sich ständig wandelnden Kunstform macht.
©Thilo Plaesser